Transcultural Exchanges: Mapping Movement of Art, Ideas, and People in Asia

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Schedule / スケジュール

Presentation Abstracts

日本に残る李王家の遺物
Artifacts of the Yi Royal Family Remaining in Japan

盧ユニア ROH Junia
ソウル大学日本研究所 研究教授 Seoul National University, Institute of Japanese Studies

1910年の日韓併合後、韓国皇帝の家系は日本の王公族となり李王家と呼ばれた。その中には幼い頃から日本で教育を受けた王族もいた。韓国最後の皇太子の李垠（イ・ウン、1897-1970）や高宗の王女、徳恵姫（トッケオンジュ、1912-89）などは、日本の王族や華族と結婚され戦後までにも韓国に帰ることができず、1960年代まで日本で暮らせざるを得なかった。本発表では、彼らが日本で暮らしながら残した調度や工芸品について焦点を当てる。日本に残る李王家の遺物は、王族のものであるだけに繊細で洗練されたものが多く、日本と朝鮮、洋式のスタイルが微妙に混ぜられ異質的な雰囲気を漂っているのが特徴である。家紋の李花紋が刻まれていることからある程度特定はできるが、亡国の王族と運命を同じくし長い間忘れられていた。本発表では、日本に残る李王家の遺物に関する情報を集め、それらが何を語っているかを検討したい。

After Japan annexed Korea in 1910, the Korean Empire’s Imperial Family was incorporated into the Imperial House of Japan and referred to as the Yi Royal Family. Some Yi family members, such as King Yongchin (1897-1970), the last crown prince of Korea, and Princess Deokhye (1912-1989), a daughter of Emperor Gojong, were educated in Japan from an early age. They had to marry into Japanese royalty or nobility and could not return to Korea even after the war ended until the 1960s.
This presentation focuses on the craftworks owned by the House of Yi while family members resided in Japan. Many of the Royal Family’s belongings remaining in Japan are refined works of art characterized by a subtle mixture of Japanese, Korean, and Western styles with heterogeneous tastes. Yi’s items can be identified to some extent by engravings of the Yi family’s plum flower emblem, but such items have long been left behind in the same sense as a Royal Family without a country. The presentation discusses the stories behind these artifacts based on information gathered on Yi’s possessions left in Japan.

近代数寄者の茶の湯と朝鮮文化財
Japanese Tea Ceremony by Modern Tea Connoisseurs and Korean Cultural Properties

大橋　利光 OHASHI Toshimitsu
東京大学大学院総合文化研究科・博士課程 Graduate School of Arts and Sciences, Doctoral Program, The University of Tokyo

近代に朝鮮から日本に持ち込まれた文化財については、1950〜60年代の日韓会談で、返還または寄贈（最終的には「引渡し」）の検討が進められた。同会談での検討の対象は、基本的に韓国側から提示された文化財リストをもとに選ばれた。リストに含まれた民間所有の朝鮮文化財はごく少数にとどまったため、そこに含まれなかった民間所有朝鮮文化財の大多数については、ほとんど取り扱いを検討されることもないまま、今日に至っている。このことをふまえ、本研究では、日本の民間所有となっている朝鮮文化財の近代（とくに植民地期）における移動について考究することをめざす。具体的には、近代日本で茶の湯を通じて大量の美術品を収集・展観した「近代数寄者（すきしゃ）」らに注目し、彼らが朝鮮文化財をどのように評価し、どのように「活用」していたのかを、できるだけ内在的に理解することをめざしたい。

During the Japan-South Korea talks in the 1950s and 1960s, the two countries discussed the return or donation (eventually “handover”) of cultural properties brought to Japan from Korea in modern times. Items for consideration were basically selected from a list of cultural properties presented by the South Korean side. With only a small number of privately owned Korean cultural properties included in the list, most of the unlisted privately owned items were left unaddressed. 
This study aims to examine the movement of Korean cultural properties owned by Japanese private citizens, especially during the period of Japanese colonial rule in Korea. Specifically, it focuses on modern “sukisha,” or tea connoisseurs, who collected and exhibited numerous artworks through the tea ceremony in modern Japan, in order to provide a deep insight into how they evaluated and “utilized” Korean cultural properties.

植民地期朝鮮の博覧会における女看守から見えるもの
What Female Exposition Guards in Colonial Korea Reveal

朴志慧 PARK Jihyae
東京大学 大学院総合文化研究科・博士課程 Graduate School of Arts and Sciences, Doctoral Program, The University of Tokyo

本研究は植民地朝鮮で開催された博覧会の「女看守」に焦点をあてたものである。博覧会会場の案内や展示品の説明及び管理を担当した女看守は近代の博覧会とともに新しく登場した職業でもあった。採用には朝鮮人女性と在朝日本人女性が一緒に募集され、一定の学歴が求められた。一方、新聞、雑誌などのメディアでは博覧会のマスコットとして表象された。博覧会とジェンダーの関係を探る研究は日本帝国史、朝鮮史、博覧会史、ジェンダー史など複数の研究分野の境界に位置し、既存の分野のなかでは見落とされてきた。本研究では朝鮮総督府が主催した博覧会を中心に女看守という存在がどのようなものであったかを探りながら、その実態、移動、博覧会での位置などを多様な資料から探り出す試みである。

This study focuses on female guards at expositions held in colonial Korea. Female guards, who were in charge of guiding venue visitors and explaining and managing the exhibits, were a new profession created with the development of modern expositions. The guard job was offered to both Korean and Japanese women living in Korea with a certain level of education required. However, newspapers, magazines, and other media outlets described female guards merely as exposition mascots. Research on the relationship between expositions and gender has been overlooked in existing disciplines as the subject lies at the periphery of multiple fields of history, including Imperial Japan, Korea, expositions, and gender. The study explores the role of female guards focused particularly on an exposition sponsored by the Office of the Governor-General of Korea, and examines their responsibilities, movements, positions at the exposition, and other aspects based on various sources.

偉人としての女性像－植民地期朝鮮における銅像の登場
Images of Women as Historical Figures – the Emergence of Bronze Statues in Colonial Korea

鈴木恵可 SUZUKI EKA
中央研究院歴史語言研究所博士後研究員 Postdoctoral Research Associate Institute of History and Philology, Academia Sinica

同時代的な世俗の偉人を顕彰する銅像の建設は、18～19世紀にヨーロッパで隆盛を誇り、19世紀後半以降からは、近代化を推進する日本においても流行するようになる。さらに、19世紀末から20世紀前半にかけて日本の支配下に入った台湾や朝鮮でも、西洋式彫刻の身体をもつ銅像がこの時期公共空間に登場し始めた。銅像のモデルは、統治者側である日本人総督や実業家、教育者が多かったが、植民地期朝鮮においては朝鮮人像の例も少なくなかった。また、そのなかには数例の朝鮮人女性篤志家や教育者をモデルとした銅像も含まれる。独立した国民国家においては、「国民」の物語を代表するものとして機能する銅像だが、植民地支配下においては必ずしもそうはならない。本発表では、こうした時代背景のなかで、被支配者側の民族、そして女性という、二重の弱者の立場にあった朝鮮人女性像の建設とその制作を担当した朝鮮人彫刻家の意義を検討する。

The erection of bronze statues honoring contemporary historical figures flourished in Europe in the 18th and 19th centuries, and in the latter half of the 19th century, the practice spread to Japan as it began to promote modernization. During the period from the end of the 19th century to the first half of the 20th century, Western-style bronze sculptures began to appear in public spaces even in Taiwan and Korea under Japanese rule. While most models for these statues were notables from the Japanese ruling class, such as governors, industrialists, and educators, many bronze statues of Koreans were also erected in colonial Korea, with several modeled after Korean philanthropists and educators. In an independent nation-state, bronze statues represent the stories of its people, but this is not always the case in a country under colonial rule. Against this background, the presentation discusses the erection of statues of Korean women who were in a doubly vulnerable position as women and as an ethnic group under rule, as well as the significance of Korean sculptors responsible for the works.

辺境から中心へ:日本占領期における在朝日本人画家の活動と作品
From Periphery to Center: Activities and Works of Japanese Painters in Korea during the Japanese Occupation

申旼正 SHIN Minjong
仁川大学校・日本文化研究所研究教授

本発表では、日本占領期（1910〜1945）に朝鮮で活動した日本人画家の活動とその作品、朝鮮画壇に対する彼らの認識を網羅的に捉え直し、その活動が持つ意義を批判的に再考する。具体的には、まず朝鮮における近代画壇の形成・展開の過程において日本人画家たちが果たした役割を概括し、彼らの活動と作品に見られる特徴を論じる。続いて、発表者が都城市立美術館（宮崎市）で行ったアーカイブ調査の成果に基づいて、山田新一（1899〜1991）という芸術家の朝鮮時代の活動と作品を分析し、在朝日本人画家としての自己認識や自己表明の方法について考察を行う。それと同時に、在朝日本人画家の個人的経験や芸術観が朝鮮画壇に与えた影響についても研究の対象とする。日韓近代美術史における「辺境と中心」という認識の枠組みが、在朝日本人画家の活動にどう影響し、その芸術にいかに現れているのかを提示し、これに対する正当な評価の可能性を問うことが本発表の目的である。

This presentation critically reconsiders the significance of the activities of Japanese painters living in Korea during the Japanese occupation (1910-1945) while comprehensively reviewing their activities, works, and perceptions of Korean painters. Specifically, it outlines the role played by Japanese painters in the formation and development of modern painting in Korea and discusses the characteristics of their activities and works. It also considers Japanese painters in Korea in terms of self-awareness and self-expression methods by examining the works of artist Shinichi Yamada (1899-1991) created while in Korea based on archival research conducted by the presenter at the Miyakonojo City Museum of Art (Miyazaki City). At the same time, the study explores the impact of these Japanese painters’ personal experiences and artistic views on Korean painters. The presentation aims to show how the “periphery to center” perception in the history of Japanese and Korean modern art influenced the activities of Japanese painters in Korea, and how it was reflected in their artwork, thereby exploring the possibilities of evaluating this perception in greater depth.

1930年代の大邱師範学校における師弟関係からみる大邱近代美術の一断面
ー日本人美術教師・高柳種行と岡田清一を中心にー
An Aspect of Daegu Modern Art in Terms of the Teacher-Student Relationship at Daegu Normal School in the 1930s–
Focusing on the Japanese Art Teachers Taneyuki Takayanagi and Seiichi Okada

金智英  KIM Jiyong
嶺南大学校　人文科学研究所　研究員 Researcher, Yeungnam University Institute of Humanities

本稿は、1930年代に朝鮮の大邱師範学校における美術部の師弟関係をテーマにして、当時どのような日本人が大邱に来て、どのような美術を教え、また朝鮮人弟子だちにどのような影響を与えたのかを明らかにすることを目的とする。これまでの大邱近代美術史において在朝日本人に関する研究はまだ数少なく、当時の状況を立体的に把握するためには、これから活発な調査研究が必要な実情である。そのなかで、本稿では資料が発見できた二人の日本人美術教師、高柳種行（1907〜64）と岡田清一（1909？〜98）に注目し、彼らの存在をより具体的に復元しようとする。そして彼らが朝鮮人学生たちに教育した内容を探り、一方では当時の日本画壇と朝鮮画壇（朝鮮美術展覧会）の雰囲気を俯瞰的に眺めながら、その中で彼らの師弟関係にみえる画風の影響関係を論ずることとする。

This study examines the relationship between teachers and students in the art department of Daegu Normal School in Korea in the 1930s, and aims to clarify what type of Japanese teachers came to Daegu, what kind of art they taught, and what influences they had on their Korean students.
With few Daegu modern art studies carried out on Japanese people in Korea, active research is needed to better understand these people in multifaceted ways. The study focuses on two Japanese art teachers, Taneyuki Takayanagi (1907-1964) and Seiichi Okada (1909?-1998), whose materials have been discovered, with the aim of reconstructing their past in a more concrete way. It explores what lessons the teachers delivered to their Korean students, analyzes Japanese and Korean paintings (Joseon Art Exhibitions) in those days from a broader perspective, and discusses the impact of their relationship with students on their painting styles.

モノクローム絵画と「韓国性」の創出
Monochrome Paintings and the Creation of “Koreanness”

日比野民蓉 HIBINO Miyon
横浜美術館 学芸員 Assistant Curator, Yokohama Museum of Art

本発表は、1970年代に興隆した韓国モノクローム絵画が、いかにして「韓国らしい」美術として捉えられるようになったかを探ろうとするものである。モノクローム絵画は、当時の韓国の政治的、社会的状況と密接な関わりを持って生まれ、展覧会や美術評論を通じて、同時期の日本でも「韓国らしい」美術として高い評価を受けた。日韓双方の美術評論家たちによって70年代に定義されたモノクローム絵画の「韓国性」は、後年の美術史研究において批判的に再考されることになったが、近年の欧米を中心とした再評価の波によって、モノクローム絵画の「韓国性」についての解釈は、あらたな局面を迎えているようにも見える。このように複雑化するモノクローム絵画と「韓国性」の問題について、韓国における先行研究を基に、その一端を解きほぐすことを試みる。

This presentation explores how Korean monochrome paintings, which flourished in the 1970s, became recognized as uniquely Korean art. Monochrome paintings emerged in close connection with the political and social contexts in South Korea at the time. They were also highly acclaimed as uniquely Korean through exhibitions and art reviews in Japan during the same period. The “Koreanness” of monochrome paintings defined by both Japanese and Korean art critics in the 1970s was reconsidered critically in art history studies in later years, but with a recent wave of reevaluation, particularly in Europe and the United States, the interpretation of “Koreanness” in monochrome paintings appears to have shifted to a new phase. The presentation attempts to unravel some of the increasingly complex issues surrounding monochrome paintings and “Koreanness” based on previous studies conducted in South Korea.

語られてこなかった美術史―1950年代の在日朝鮮人美術史
The Forgotten Art ― The Art History of Koreans in Japan in the 1950s

白凛 PEK Rum
独立行政法人日本学術振興会特別研究員PD　一般社団法人在日コリアン美術作品保存協会代表理事

在日朝鮮人の美術史研究は、これまで70年間本格的に行なわれてこなかった。それは意図的ではないにせよ、存在の重さ／軽さが、マジョリティの側から測られてきたからである。今回の発表ではこれまでほとんど研究されてこなかった在日朝鮮人美術史の、特に1950年代の活動を整理し、その意義について述べる。本発表における在日朝鮮人とは、日本の植民地支配の影響下、日本で生活せざるを得なかった朝鮮半島出身者とその子孫を指す。1999年、京都市立美術館で開催された「アルン展」に在日朝鮮人1世の美術家の作品が展示されており、その作品を見ながら、「なぜ自分自身のルーツである在日朝鮮人の美術史を私は知らないのだろう」という疑問を抱いたことが研究のきっかけであった。研究方法は『在日朝鮮美術家画集』（1962年発行）を分析し、作品の所在を確認し、文字資料を探し出すこと、さらに関係者への聞き取り調査である。このように集めた資料を整理することで、在日朝鮮人美術家たちが「在日朝鮮人の生活」、「帰国」、「4.19革命」という共通のテーマを設定して描き、「巡回展」（1956年）、「日朝友好展」（1960年）、「連立展」（1961年）などを開催して、作品を発表していたことが明らかになった。調査や分析によって、美術家になることを目指していた朝鮮人たちが美術と民族という共通項で集いながら、朝鮮半島の平和と在日朝鮮人の平穏な生活を願いながら作品を描いていたこともわかった。特に在日朝鮮人美術家とその遺族への60回以上の聞き取り調査を通して、関係者たちの記憶の中でのみとどまっていた美術史を掘り起こした。在日朝鮮人美術史は「語られなかった美術史」であり、本研究によって新たに解明された事実と、すでに綴られている事実との関連性を探ることで、これまで当然のことと思われてきたものの再検討が可能となった。このような検証作業は美術史研究の範囲に留まらない課題であると結論づけた。

The art history of Koreans in Japan has not been fully studied over the past 70 years, with the majority of historians placing slight importance on the subject, albeit unintentionally. This presentation discusses the significance of their art history while summarizing the activities of little-studied Korean artists in Japan, particularly in the 1950s. Koreans in Japan refer to Koreans forced to migrate from the Korean Peninsula to Japan under Japanese colonial rule and their descendants. This study was brought about by my visit to the AREUM Exhibition held at the Kyoto City Museum of Art in 1999 that featured artworks by Koreans in Japan. Their works made me realize as an ethnic Korean how little I knew about the art history of Koreans in Japan. The research methods include analyzing “Zainichi Chosen Bijutsuka Gashu (A Collection of Paintings by Korean Artists in Japan)” (published in 1962), locating these paintings, searching for written materials, and interviewing the people involved. These collected materials revealed that Korean artists in Japan painted under the common themes of “The lives of Koreans in Japan,” “Returning to their homeland,” and “The April 19 Revolution,” and presented their works by holding exhibitions that included “Junkai-ten (touring exhibition)” (1956), “Niccho Yuko-ten (Japan-Korea friendship exhibition)” (1960), and “Renritsu-ten (coalition exhibition)” (1961). The surveys and analyses also found that Korean people who aspired to become artists gathered to share their thoughts about art and ethnicity, and painted while wishing for peace on the Korean Peninsula and the wellbeing of Koreans in Japan. More than 60 interviews with Korean artists in Japan and their relatives especially helped bring to light the history that has lived only in the memories of those involved. The history of art by Koreans in Japan is “the Forgotten Art,” and studying the links between the facts uncovered by this research and those already known has paved the way to reexamine what was previously taken for granted. The study concluded that this verification work is a challenge that transcends art history research.

平戸藩主松浦熈の石筆文書（鉛筆文書）について
Sekihitsu (Slate Pencil) Documents of Matsura Hiromu, Feudal Lord of the Hirado Clan

IWASAKI Yoshinori 岩崎義則 
Associate Professor (history), Kyushu University 九州大学大学院・人文科学研究院・准教授

日本の近世後期，平戸藩主松浦熈（Matsura Hiromu 1791– 1867）は，極めて珍しい「石筆文書」（鉛筆によって書かれた文書）を作成した。明治以前，日本における鉛筆受容の歴史においては，徳川家康（Tokugawa Ieyasu 1543– 1616）・伊達政宗（Date Masamune 1567– 1636）などの事例が，僅かであるが知られている。この2名については，鉛筆の現物は確認されているが，鉛筆によって作成された文書類は確認されていない。一方，松浦熈については，使った鉛筆（「阿蘭陀石筆」と熈は記している）の現物は確認できていないが，多数の文書が報告者によって確認できた。今回の報告では，熈が執筆した随筆『亀岡随筆』（Kameoka Zuihitsu）に収録された関係記事をもとに，熈による石筆文書の作成理由や背景などを考察してみたい。また，実際の石筆文書について，写真画像を示しつつ，古文書学的な検討を加えてみたい。

In the latter years of Japan’s early modern period, Matsuura Hiromu (1791-1867), feudal lord of the Hirado clan, produced rare documents written with a sekihitsu, or slate pencil. Historically, only a few cases of the use of pencils before the Meiji period have been reported in Japan, with Tokugawa Ieyasu (1543-1616) and Date Masamune (1567-1636) being two known examples. While the actual pencils used by these two men have been identified, no document written with a pencil has been found. In contrast, the pencil used by Matsuura, which he noted as a “Dutch sekihitsu,” has not been identified, but researchers have reported discovery of many documents that were written with pencils.
In today’s presentation, I will examine the reasons and circumstances behind Matsuura’s decision to produce sekihitsu documents based on the relevant articles contained in his essay collection, Kameoka Zuihitsu (Miscellanea from Tortoise Hill). I will also show photographs of actual sekihitsu documents and discuss them from a paleographical perspective.

桃山～江戸にかけての金属交流（鉛と真鍮を中心に）
Metal Trading from the Momoyama to Edo Era with a Focus on Lead and Brass

GOTŌ Kōichi 後藤晃一
Vice Director and Head of the Excavation Department, Ōita Prefectural Center for Archeological Properties 副所長兼調査第一課長・大分県立埋蔵文化財センター　

キリシタン遺物メダイの研究から、鉛の素材自体が日本に持ち込まれていることが分かり、それはタイのソントー鉱山産や朝鮮半島産ルートがあることが分かってきた。さらにその鉛は主に鉄砲玉に使用されており、宣教師の軍事品供給の様相が物的に解明されたことについて説明する。また戦国期の豊後府内では数多くの真鍮製品が出土しており、それらはいずれも中国産素材を使用していることが分かっている。また16世紀末～17世紀初頭に数多く西洋からもたらされた真鍮製のメダイはすべて西洋産の素材が使われていることが判明している。一方京都では17世紀後半の亜鉛のインゴットが発見されており、当時日本でも真鍮製作を行っていたことが分かってきた。桃山～江戸時代にかけて真鍮が世界的に広まっていった様相についても言及する。

Studies of Christian medals found in Japan have revealed that lead, the material used to make these relics, was brought to the country from such places as the Song Toh mine in Thailand and the Korean Peninsula, and that imported lead was primarily used to make gun bullets. I will discuss our findings on the missionaries’ role in supplying military goods to Japan in terms of physical resources.
We also know that the large amount of brass products unearthed in the former province of Bungo (modern О̄ita prefecture) during the Sengoku (Warring States) period were made from raw materials sourced from China, while the many brass medals that came to Japan from European countries at the end of the 16th century to the early 17th century were made of materials with European origin. In Kyoto, zinc ingots dating back to the latter half of the 17th century have been discovered, indicating that brass products were produced in Japan as well around this period. I will also discuss how brass spread throughout the world during the time period from the Momoyama to Edo era.

Korean tea bowls (Kōrai chawan) in the Momoyama period tea ceremony
桃山時代の茶の湯における高麗茶碗

Annegret BERGMANN アンネグレート・ベルクマン
Extraordinary Associate Professor (Research Institute for Cultural Resources), Tokyo University 特任准教授・文化資源学研究室・東京大学

This paper deals with the phenomenon of the so-called Kōrai chawan or “Korean tea bowls” as agents of cultural exchange. Since the problem of categorizing and thus characterizing these ceramics from the perspective of Korean and Japanese ceramic historiography is different and sometimes contradictory, the paper focuses on the role of these tea bowls in the Japanese tea ceremony, a well-established and most valued social as well as ritual appreciation of art which embodied less a consistent aesthetic than an unending search for variety and surprise during the Momoyama period. How did material and form and thus the aesthetics of Kōrai chawan influence the tea ceremony utensils, and what influence did leading tea masters and cultural authorities of the time such as Sen no Rikyū, Furuta Oriba and Kobori Enshū exert on their appearance and use? Examples of Korean bowls adapted into the tea ceremony like mishima and tea bowls made specifically for the Japanese tea utensil market until the early 17th century like goshomaru, as well as the commissioned gohon bowls fired in the so-called Japanese house in Busan under the aegis of the lord of Tsushima give evidence that Korai chawan could be considered transcultural manifestations as well as examples and the result of pre-modern East Asian internationalism.

本稿では、文化交流の架け橋としての、いわゆる「高麗茶碗」について論じる。陶磁器の歴史文献による高麗茶碗の分類と評価が朝鮮と日本で異なり、時に矛盾するという問題があるため、本稿は日本の茶の湯における高麗茶碗の役割に特化して論じる。日本の茶の湯は、社交の場において作法に則って行う、確立された最も重要な美術品の鑑賞法の一つであり、桃山時代においては一貫した美意識というよりも、多様性や驚きをたゆみなく追求する姿勢を体現するものであった。高麗茶碗の素材、形、ひいては美しさが茶道具にどのような影響を与えたのか。千利休、古田織部、小堀遠州のような当代随一の茶人であり文化的権威が、高麗茶碗の外観や使用法にどのような影響を及ぼしたのか。三島のように茶の湯に取り入れられた高麗茶碗や、御所丸のように17世紀初めにかけて、日本の茶道具市場のために焼かれた茶碗、さらには日本から注文を受け、対馬藩宗家の庇護を受けた、いわゆる釜山倭館窯で焼かれた御本茶碗の事例は、高麗茶碗が2つの文化の発露であるとともに、近代以前の東アジアの国際化の事例とその結果とも考えられることの証左である。

Collecting Japanese porcelain and ceramic art in the Czech lands in the long 19th century: Tradition and new impulses.
19世紀のチェコにおける日本の陶磁器の収集: 伝統と新たな衝動

Filip SUCHOMEL フィリップ・スホメル
Senior Research Fellow, Faculty of Arts, Charles University, Prague

My lecture will be focused on collecting Japanese porcelain in the long 19th century in Central Europe in general and Czech lands in particular. An interesting aspect of the study of the collecting of Japanese porcelain is determining how the items found their way into these collections, where, when, and by whom they were purchased, and what their fates were. My lecture will shortly describe the origin of the oldest collections of Japanese art in our territory and then the growth of old aristocratic collections in the 19th century, especially under the influence of fashion trends, world expositions, and thanks to new possibilities of travel to the Far East. I will discuss what the collections looked like and what exhibits they were mainly composed of. In my lecture, I will also show the origin of the first museums in our territory and their role in learning about the cultures of distant countries. I will focus on their collecting activities in general in the field of ceramics and Japanese porcelain in particular. I will mention the first Czech regional museum collections of Japanese art founded in the second half of the 19th century under the influence of world expositions especially in Prague, Brno, Liberec, Pilsen, Teplice, Děčín, Znojmo, and Opava. I will briefly mention how the collections of Japanese ceramics did influence new trends in the production of Czech arts and crafts in that period. In addition, I will deal with new progressive trends in collecting Japanese art at the turn of the 19th century, in connection with the phenomenon of traveling around the world before the First World War with special emphasis on travel literature of the period.

本講演では、19世紀の中央ヨーロッパ、とりわけチェコにおける日本の陶磁器の収集に目を向ける。日本の陶磁器の収集についての研究では、これらの品々がどのように集められたのか、いつ、どこで、誰が購入したのか、どのような運命をたどったのかという点に興味がそそられる。本講演ではチェコで最古の日本の美術品コレクションの起源と、特にファッショントレンドや万国博覧会の影響を受けたり、新たに極東旅行が可能になったことによる、19世紀の古い貴族のコレクションの拡大について簡単に説明する。コレクションがどのようなものだったか、どのような展示品で構成されていたかを考察する。また、チェコで最初の美術館・博物館の起源と、遠方の国の文化を学ぶ上でこれらの美術館・博物館が果たした役割を紹介する。陶磁器、特に日本の磁器の収集活動について重点的に説明する。万国博覧会の影響を受け、19世紀後半にチェコの地方美術館が始めた、初期の日本の美術品のコレクション、特にプラハ、ブルノ、リベレツ、ピルゼン、テプリツェ、ジェチン、ズノイモ、オパヴァのコレクションについて触れる。また、日本の磁器コレクションが当時のチェコの美術品や工芸品の製作に及ぼした影響についても簡単に論じる。加えて、19世紀（から20世紀）の変わり目に起きた、日本の美術品コレクションの新たな進歩的トレンドについても、第一次世界大戦前の世界各地を旅行するという事象との関連で、特に当時の旅行文学に重点を置いて説明する。

螺鈿装飾の位相―日本製輸出用器物としての南蛮漆器―
Valuation of Mother-of-Pearl Decoration: Namban Lacquer as a Japanese Product for Export

Kobayashi KŌJI 小林公治
Head of the Department for Studies in Expansive Regions, Division of Information and Sources on Cultural Properties, Tokyo Research Institute for Cultural Properties東京文化財研究所, 文化財情報資料部 広領域研究室長

A・シュヴァイツァー らが「第一次グローバル時代」と呼ぶ、桃山から江戸初期（16世紀末～17世紀前半）に京都で造られた「南蛮漆器」はそのほとんどが欧米諸国に伝世しており、輸出用の日本製漆器であった理解されている。しかしそれがいつどのように成立したのかという過程についてはいまだ明らかでない点が多い。そこで本発表では、当時の国内需要で制作され大阪府岬町理智院伝世する豊臣秀吉像厨子の文様表現に注目し、表された三種の文様表現技法の違いから、日本国内向けの漆器に用いられた文様表現と「南蛮漆器」用に創出された輸出用の文様表現とを弁別する。
こうした輸出品用として独自の文様表現を持つ「南蛮漆器」は器種的な観点に加え、文様的に見ても輸出用として新たに生み出された特別な日本製漆器であることが理解される。しかし、こうした文様表現は制作者側の一方的な都合で生まれたのではなく、発注者であったヨーロッパ人側の要望を満たすものであったこともまた確かであろう。

“Namban lacquerware,” produced in Kyoto from the Momoyama to early Edo period (late 16th to early 17th century)—named the “First Global Age” by A. Schweizer and other researchers—has been recognized as items made for export given the fact that most items were exported to European countries and North America. Yet the process of their creation was left unsolved until today.
In this presentation, the presenter investigates the decoration on a portable shrine that houses the portrait sculpture of Toyotomi Hideyoshi 豊臣秀吉. The shrine was produced in response to domestic demand and is preserved at Richiin 理智院 temple in Misaki town, Osaka. As the presenter argues, three types of stylistic expression can be distinguished that seem to stand between the styles used for domestic lacquerware and the one used only for “Namban lacquerware” made for export.
In conclusion, “Namban lacquerware” with its unique decorative scheme can be understood as unique Japanese items that were newly created for export, from the viewpoint of its pattern in addition to shape. However, it is clear that such a specific pattern was created to meet not only the producers' circumstances but European requests as well.

Between the Japanese and Chinese missions in the 16th and 17th centuries: The Jesuit influence in the dissemination of a newly created nanban style of lacquer decoration
16・17世紀の日本と中国における布教活動：新たな南蛮様式の漆装飾の普及におけるイエズス会の影響

Ulrike KÖRBER ウルリケ・ケルバー
Instituto de História da Arte, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade NOVA de Lisboa リスボンNOVA大学・社会人文科学部・美術史研究所

Through trade and missionary activities, Catholic European presence in Asia promoted adaptation of indigenous crafts to foreign tastes and needs. One result are Luso-Asian items embellished with Asian lacquer. Interregional influences that took place within the framework of the Jesuit missions in Japan and China are illustrated particularly well by religious artefacts that seem to mimic Japanese nanban lacquer patterns but were executed with traditional Chinese techniques and depict Chinese auspicious motifs. Though variously classified in the past, their lacquer decorations can now be consistently assigned to Chinese craftsmen in the service of Catholic Europeans. In-depth, multidisciplinary research with rigorous technological investigation on such lacquered liturgical artifacts revise our understanding and reveal interesting details, pointing to different patterns of circulation and exchange.

ヨーロッパのカトリック教徒が、交易と布教活動を通じてアジアで影響力を持つようになったことで、現地の工芸品が外国人の好みとニーズに合わせて変化した。アジアの漆で装飾されたルソアジアの品々はその一例だ。日本と中国におけるイエズス会の布教活動の枠組みの中で、複数の地域から影響を受けたことを端的に表しているのが、日本の南蛮様式の漆模様を模倣しているように見えながら、実際は伝統的な中国の技法を用いて中国の吉祥文様を表現している宗教的な芸術作品である。漆装飾は過去には様々な分類がなされていたが、今では一貫して、ヨーロッパのカトリック教徒のために中国人職人が製作したものと見ることができる。このような漆を使った典礼用の芸術作品について徹底した技術的調査と学際的研究を行った結果、様々な普及および交流パターンがあったことなど興味深い詳細が明らかになり、我々も認識を改めた。